En un principio los pioneros de la fotografía tuvieron muchas dificultades para tomar retratos. Los tiempos de exposición se contaban por minutos, o cuando menos por segundos. Los resultados no acostumbraban a favorecer al modelo. Tal es el caso de la fotografía que presenta el parisino A. Donné, a la Academia de Ciencias el 14 de octubre de 1839. El modelo posó con los ojos cerrados y parecía dormido (SAGNE, 1984, 12)
Con la aparición de los primeros estudios fotográficos se arreglan un poco las cosas. Pero aún así, algunos accesorios de los fotógrafos de estudio nos recuerdan instrumentos de tortura, en especial los apoya cabezas para que el/la modelo no se moviera durante la toma.
Los fotógrafos de estudio se debían a la clientela, y su propia supervivencia les hizo cultivar una estética que halagara al cliente. De esta forma, tanto la decoración del estudio, la forma de iluminar y de manipular el negativo y el positivo estaban pensados para embellecer al modelo. Muchos de los pioneros de la fotografía estaban vinculados con la pintura, y bastantes pintores ficharon por estudios fotográficos para colorear las pruebas. Pero al parecer todo esto era insuficiente y había que ir más allá:
"El retoque del negativo fue un invento del fotógrafo muniqués HampfstÛngl. En la Exposición de 1855, en Francia, se exhibieron por vez primera pruebas retocadas. HampstÛngl exponía el mismo retrato sin retocar y retocado, causando sensación. El retoque fue el factor decisivo en el desarrollo ulterior de la fotografía. Supuso asimismo el principio de su decadencia, pues su empleo desmedido y abusivo eliminaba todas las cualidades características de una reproducción fiel, despojando a la fotografía de su valor esencial." (FREUND, 1976, 63)
Antes de avanzar vamos a detenernos a reflexionar sobre algunas consideraciones técnicas. El mejor resumen sobre el tema, lo he encontrado en la obra de Bevis Hilher, Victorial Studio Photographs, Boston 1976. Según Hilher, la introducción del colodión húmedo, hacia 1851, revolucionó el retrato. La carte de visite de Disdéri, hacia 1854, lo abarató y popularizó. El proceso al gelatino bromuro, a partir de 1871, redujo el tiempo de exposición a pocos segundos en el estudio. Además, este material se conservaba bien y no era necesario ni sensibilizarlo ni revelarlo inmediatamente antes o después de tomar la foto. La luz natural fue la fuente principal de iluminación hasta 1914.
Hacia 1853, Nadar y Disdéri empiezan a hacerse un nombre entre los fotógrafos retratistas de Paris. Para nuestro estudio nos interesan ambas figuras por su vinculación al mundo teatral. Disdéri provenía de una familia de actores. De alguna manera trasladó la escenografía teatral al estudio fotográfico. Además, Disdéri se procuró del mobiliario básico de la burguesía de la época. Por si fuera poco, Disdéri introdujo precios muy económicos gracias a sus fotos en tamaño reducido. El sistema de carte de visite permitía obtener una colección de varias fotografías en poses distintas cosa interesante para la gente del espectáculo. Nadar, en cambio, acostumbraba a trabajar sin escenografía y con fondo neutro. Nadar estaba muy bien relacionado con el mundo intelectual y artístico parisino, en especial con la gente de teatro. Sus retratos de actores y actrices nos muestran como la mezcla de un rostro fotogénico y un buen fotógrafo dan lugar a maravillosos resultados. Paul Nadar, hijo de Félix, continuó realizando innumerables retratos de actores.
Posiblemente, Cecil Beaton sea el fotógrafo de nuestro siglo que de alguna forma recoja la herencia de Nadar, y al mismo tiempo ejemplifique el concepto de retrato glamour. Beaton, además, fue un excelente historiador de la fotografía, y en su libro, The Magic Image, trata ampliamente de la fotografía de teatro. Según Beaton: "Not until the 1890s were there pictures showing the interiors of theatres." BEATON, 1975, 290). Y aunque en 1872 se tiene registrada una fotografía en el interior de un teatro de Manchester (BUCKLAND, 1980, 237) lo cierto es que los actores necesitaban acudir a los estudios de los fotógrafos para dar a conocer su imagen.
La difusión de imágenes está relacionada con las limitaciones del daguerrotipo y con las ventajas de las imprentas fotográficas, que difundieron las fotos de las celebridades de la época. Lo cierto es que la utilización de sistemas fotográficos basados en el concepto negativo positivo, que introdujo F. Talbot con el calotipo, serían los quedarían la verdadera dimensión de las posibilidades de la fotografía como medio de comunicación de masas.
En Nueva York Napoleón Sarony (1826-1896) fue un famoso fotógrafo de actores. Aunque antes que el fueron innumerables los retratistas norteamericano que trabajaron en daguerrotipo y en ferrotipo. Mathew B. Brady (1823-1896) era también un célebre retratista de Nueva York, que acabó arruinándose con su proyecto de registrar en fotografía la guerra civil norteamericana (1861-1865).
Según Ando Gilardi (Storia sociale della fotografia, Milán, 1976), el concepto de fotografía glamour es anglosajón, está vinculado a Hollywood, y se limita a "acentuar la calidad física de una mujer hermosa". Creo que debemos hacer algunas matizaciones a estos planteamientos. En primer lugar, pienso que la fotografía glamour estaba casi inventada antes que los americanos la difundieran. Además es inexacto centrarla en la mujer. Sólo tenemos que ver alguna recopilación de de retratos de actores y actrices de Hollywood, entre las que destaca especialmente la de John Kobal, Film-Star Portraits of the Fifties. Dover, New York, 1980, para comprobar que los hombres también protagonizan este tipo de fotografía.
El nacimiento de la industria cinematográfica y el apogeo de las revistas ilustradas da lugar a la aparición de la fotografía glamour, cuyo epicentro debe localizarse en los estudios fotográficos de Hollywood. Podríamos definir el concepto de retrato glamour como aquel tipo de fotografía que potencia el lado bueno de la gente, y en especial de las mujeres mas o menos jóvenes y hermosas. O sea, la fotografía glamour refleja mejor que ninguna otra el concepto de belleza humana que está de moda. En realidad, el conseguir retratos favorecedores es algo tan antiguo como la propia Historia del retrato fotográfico. Pero la industria del cine potenció este fenómeno. Para todo aspirante a actor/actriz y también para los astros consagrados, resultará cotidiano y fundamental tomarse fotografías. Las grandes revistas ilustradas (LIFE) también potenciaron el retrato glamour y sus fotógrafos viajaron periódicamente a Hollywood para captar la imagen de las estrellas cinematográficas.
La mejor información sobre las relaciones cine-fotografía en Hollywood la he encontrado en la obra MASTERS OF STARLIGHT de David Fahey y Linda Rich, Columbus Books, London 1988. En un principio los fotógrafos que retrataron a las primeras estrellas cinematográficas eran independientes. Los estudios cinematográficos crearon sus propios fotógrafos de plantilla, que tomaban retratos de actores y actrices y realizaban reportajes sobre la realización de las películas. Pero con el tiempo, las revistas cinematográficas, Motion Picture, Movie LIFE, Photoplay, etc grandes revistas ilustradas, Vanity fair, LIFE, acabaron enviando fotógrafos a los estudios cinematográficos para seguir la filmación de alguna película o para retratar alguna nueva estrella. En la actualidad el círculo se ha vuelto a cerrar: los fotógrafos independientes son los que cortan el bacalao. Las historias del cine, tales como la conocida Historia del Cine de Romà Gubern apenas informan de las relaciones cine-fotografía.
Es muy interesante la opinión de Thomas Walters sobre el concepto de glamour, en su obra Nudes of the 20s and 30, London 1976, nos dice lo siguiente:
"Hollywood had created its own concept of glamour. It had developed over the years through the work of a small number of studio stills photographers. The use every possible technique careful lighling, the highlighling of certain angles, deep shadows, soft focus, specially built backgrouds, to bring out whatever quality was being promoted in their stars models". (WALTERS, 1976, 12).
Según el mismo autor, la influencia de la forma de vestir, peinarse y maquillarse de las grandes estrellas de Hollywood tuvo un profundo impacto en la moda de los años 20 y 30.
Junto a la fotografía glamour está también la llamada fotografía pin-up, nacida también en este ambiente. La fotografía pin-up podría definirse como una especie de fotografía glamour atrevida cuyo modelo es siempre una mujer de buen ver, ligera de ropa o mejor desnuda. Es decir en la que el contenido sexual sea mucho más explícito.
Pin-up es un concepto anglosajón y en la actualidad está pasado de moda, creo que hoy día puede traducirse por fotografía erótica. Vamos a ver que nos dice un par de diccionarios ingleses;
Según la The focal encyclopedia of photography,"Pin up. (Slang) Glamorized photography of a motion picuture or stage beauty almost always taken in a bathing suit or lingerie. So called because this type of picture is commonoly given away in the form of an insert in a popular magazine so that it can be pinned up as a decoration".(1982, 710)
Según The Cassell Paperback English Dictionary: "PIN-UP:, n. a person, esp. a girl, whose face or figure is considered sufficiently attractive for his or her photography to be pinned on the wall."(1990, 1004)
Sin ningún tipo de duda, Marilyn Monroe fue, como modelo fotográfica, la persona que ejemplificó de forma más absoluta los conceptos de fotografía glamour y de pin-up. En sus comienzos Marilyn fue una modelo pin-up. Después llegó a ser la mejor modelo glamour de la Historia de la Fotografía. Y al final de su vida volvió a posar como pin-up.
Dado que vamos a tratar ampliamente de Marilyn y la fotografía en las páginas siguientes, no quisiera extenderme demasiado. Sin embargo, no puedo resistirme a transcribir la opinión de Nestor Almendros sobre la fotogenia de Marilyn en LECCIONES DE FOTOGENIA:
"En cambio, no encuentro, en cualquier caso, que Marilyn fuese bella. Claro que era una mujer que tenía una extraordinaria personalidad, y esto es lo que confundió al público. Físicamente tenía defectos; por ejemplo, los ojos excesivamente separados y una cara más bien ancha, la nariz demasiado respingona. Es cierto que tenía un cuerpo muy atractivo, pero la cara, lo repito, imperfecta, un poco vulgar. Y sin los cosméticos, y sobre todo sin el sex appeal que tenía, Marilyn hubiera sido una chica norteamericana de campo como hay millones" (Almendros, 1987, pág. 48)
BIBLIOGRAFIA
Bevis Hilher, Victorial Studio Photographs, Boston 1976
Gilardi, Ando Storia sociale della fotografia, Milán, 1976
Beaton, Cecil, y Buckland. The Magic Image, (1975), Verona. 1989,
Sagne, Jean, L'atelier du photographe. París, 1984
Freund, Gisèle. La fotografía como documento social. Gustavo Gili, Barcelona, 1974.
Buckland, Gail First Photographs, MacMillan. New York, 1980, pág. 237
Kobal, John, Film-Star Portraits of the Fifties. Dover, New York, 1980
Fahey, D y Rich, L. MASTERS OF STARLIGHT, Columbus Books, London 1988
Gubern, Román,. Historia del Cine,Barcelona, 1975.
Walters. Thomas, Nudes of the 20s and 3s, London 1976,
The focal encyclopedia of photography . Focal Press, London,1982
The Cassell Paperback English Dictionary, Londres.1990,
Nestor Almendros, Cuestiones de Fotogenia, El País semanal., 1987, nº
Seguro que hay fotógrafos, investigadores e
historiadores mucho mejores que un servidor. Sin embargo,
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